Querido primo Teo:

Hace unas semanas se dio a conocer que se llevaría a la gran pantalla la serie “Los vigilantes de la playa” que causaba furor en los veranos noventeros. Cuando he preguntado por quién era la vigilante favorita de los espectadores masculinos y heterosexuales muchos coincidieron en destacar a la rubia Erika Eleniak, que fue una de las primeras en enfundarse el célebre bañador rojo.

Erika Eleniak (California, 1969) comenzó a trabajar en la publicidad con tan solo diez años. Su primer papel en el cine fue en “E.T., el extraterrestre” en donde interpretaba a la compañera de clase a la que besaba Elliott emulando el célebre beso de “El hombre tranquilo”. Su madre procuró que no descuidase sus estudios y que tuviese una infancia normal, pero no pudo evitar que una adolescente Erika se despendolase, se aficionase a la vida nocturna y se enganchase a las drogas y el alcohol. Con tan solo 18 años, Erika Eleniak ya había pasado por Alcohólicos Anónimos.

En el año 1989 un amigo le pondría en contacto con un fotógrafo de la revista Playboy y no tardaría en aparecer en la afamada publicación de Hugh Hefner. Poco después conseguiría el papel de Shauni McClain en “Los vigilantes de la playa”. Su fama se disparó y en varias ocasiones volvió a lucir su anatomía en la revista del conejito. También mostraría su palmito en “Alerta máxima”, “Rústicos en Dinerolandia” y “Misión explosiva”. De “Los vigilantes de la playa” salió en el año 1992, como sex symbol de la serie le tomaría el relevo Pamela Anderson. Ella y su pareja en el espacio televisivo, y también en la realidad, Billy Warlock, tuvieron problemas con los productores por el rumbo que estaba tomando la serie y decidieron abandonarla. La relación con Warlock se rompería al poco tiempo ya que él no podía soportar que su novia exhibiese su cuerpo. Durante el rodaje de “Misión explosiva” se enamoró de otro guaperas, William McNamara, la historia duró apenas dos años y rodaron otra película juntos “La chica del cadillac”.

A diferencia de Pamela Anderson, Carmen Electra o David Hasselhoff, Erika Eleniak no se ha convertido en una viverentas por su participación en “Los vigilantes de la playa”, aunque sí que ha sido carne de reality shows, en uno de ellos se retaba a adelgazar, la actriz siempre había estado luchando contra la báscula pero una depresión le hizo engordar muchísimo, de hecho una vez terminó siendo ingresada por una sobredosis de laxantes. Su carrera se ha desarrollado en la división más inferior, sus películas cogen polvo en las estanterías de los videoclubes o son telefilmes de las cadenas de televisión más cutres, las excepciones son sus participaciones en series como “C.S.I. Miami” o “Mujeres desesperadas”. Nuestra protatgonista se ha casado en dos ocasiones, la primera con el nutricionista Philip Goglia, pero el matrimonio solamente duró un año, y en el 2001 conoció durante el rodaje de una película a Roch Daigle con quien tuvo a su hija Indyanna.

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Mary Carmen Rodríguez

Querido primo Teo:

Joel Schumacher se encontraba entre los directores más comerciales de las décadas de los 80 y 90, aunque por lo general no contase con el respaldo de la crítica, ni tuviese una legión de fans. Sí que se ganó detractores cuando se encargó de dirigir dos de las entregas de la saga Batman.

Schumacher (Nueva York, 1939) iba para diseñador cuando se dio cuenta de que lo suyo era el cine. Comenzó a trabajar encargándose del departamento de vestuario de dos películas de Woody Allen, “El dormilón” e “Interiores”, mientras estudiaba en la universidad de UCLA y hacía sus pinitos en el mundo de la televisión como realizador y guionista. Tras escribir una serie de guiones para la gran pantalla, entre ellos el del musical “El mago” que en su momento fue un absoluto desastre, Schumacher dirigiría su primera película “La increíble mujer menguante” que no funcionó bien.

Sería con su tercera película, “St. Elmo, punto de encuentro” cuando comenzaría a llamar la atención en el seno de la industria. El film, considerado uno de los referentes del Brat Pack, funcionó muy bien, y también lo hizo la película sobre vampiros “Jóvenes ocultos”. Los Estudios consideraron que Schumacher era idóneo para llevar a cabo determinado tipo de proyectos, así llegaron “Línea mortal”, “Elegir un amor”, “Un día de furia”, “El cliente” y “Tiempo de matar” que, aunque no contasen todas con el respaldo de la crítica, sí que fueron muy bien en la taquilla.

La Warner le encomendó a Schumacher la dirección de “Batman forever” estrenada en 1995. La crítica y los fans del héroe de DC Comics se ensañaron con el film y muchos lo calificaron como una fantasía homoerótica de Schumacher. Pero “Batman forever” se convirtió en la segunda película más taquillera de ese año en los Estados Unidos, solamente fue superada por “Toy Story”. Schumacher se desató, aún más, en “Batman y Robin”, que dejaba a la serie de los 60 a la altura del cine de Ingmar Bergman. Se estrenó en el año 1997 y, como era de esperar, la crítica la destrozó pero esta vez el público no picó en el anzuelo y fracasó en la taquilla, aunque recaudase 238 millones de dólares en todo el mundo, pero la anterior entrega hizo 100 millones más y le costó menos al Estudio. En ese momento la compañía decidió poner en suspenso la saga, la reiniciaría casi una década después con Christopher Nolan. Si “Batman y Robin” hubiese contado con el respaldo del público habría sido inevitable que Schumacher dirigiese una nueva entrega “Batman triunfante”. Años después el realizador pidió disculpas a los fans del caballero oscuro, asumió que el Estudio le estaba presionando muchísimo pero admite que el responsable del desastre fue él ya que la intención era acercar ese universo al público infantil.

Tras este revés Schumacher se propuso reinventarse centrándose en proyectos más oscuros, como “Asesinato en 8 mm” que no fue del todo un éxito. “Tigerland” fue incluso peor, era una producción más modesta pero apenas recaudó 100.000 dólares en todo el mundo, aunque sí que cosechó muy buenas críticas y situó en el mapa a Colin Farrell. Con el actor irlandés rodaría su mayor éxito comercial, “Última llamada”, estrenada en 2003. Un año después llegaría la ambiciosa adaptación del musical “El fantasma de la ópera” que quedó lejos de dar beneficios. Las últimas tres películas de Schumacher han ido mucho peor, de hecho “Bajo amenaza”, protagonizada por Nicolas Cage y Nicole Kidman, se estrenó simultáneamente en los cines y en las plataformas de VOD. Su último trabajo como realizador lo hizo para la primera temporada de la serie “House of cards”.

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Mary Carmen Rodríguez

Querido primo Teo:

Seguramente estarás más o menos al tanto del SonyLeaks, el ataque cibernético que ha sufrido Sony Pictures por parte de unos hackers autodenominados “Guardianes de La Paz”. Presuntamente Corea del Norte está detrás de todo esto a raíz de la comedia “The interview” de Evan Goldberg y Seth Rogen, en donde el último y James Franco reciben el encargo de la CIA de asesinar a Kim Jong-Un. Entre el material robado por los piratas informáticos está la inédita “Annie” de Will Gluck que llegará a los cines este viernes 19 de Diciembre. El film se filtró en la red junto a “Siempre Alice” de Wash Westmoreland y Richard Glatzer, “Mr. Turner” de Mike Leigh, y la ya estrenada en los Estados Unidos “Corazones de acero” de David Ayer, que era la gran apuesta de Sony para los Oscars y que no ha funcionado de la manera esperada. Mucho, y no precisamente bueno, dice de “Annie” que se haya filtrado y que a nadie le haya interesado. Esta nueva versión cinematográfica del musical de Charles Strouse, Martin Charning y Thomas Meehan, basado a su vez en la tira cómica de Harold Gray, está producida por Will Smith y en su reparto tiene a Quvenzhané Wallis, Jamie Foxx, Cameron Diaz, Rose Byrne y Bobby Cannavale. Este proyecto no generaba ningún tipo de confianza y las críticas están siendo desastrosas, aun así el film llega con el respaldo de los Globos de Oro que han nominado a Quvenzhané Wallis en la categoría de mejor actriz de comedia o musical y a SIA por la canción Opportunity. Sony es una de las compañías que más miman a los miembros de la Asociación de prensa extranjera en Hollywood y siempre se ve beneficiada en el reparto de candidaturas, incluso con películas como “The tourist” o “Burlesque”.

El musical “Annie” se estrenó en 1976, no tardó en alcanzar la popularidad y ganó 7 premios Tony, entre ellos el de mejor musical. En 1982 llegó su primera adaptación cinematográfica. Fue dirigida por John Huston, una decisión arriesgada por parte de Columbia Pictures ya que el oscarizado director no era un experto en el cine musical. En su reparto estaban Albert Finney, Carol Burnett, Bernadette Peters y Tim Curry. Para dar vida a la pequeña protagonista se escogió a Aileen Quinn (Pennsylvania, 1971) en un agotador casting que duró más de un año y en el que participaron 8.000 niñas. Quinn ya tenía experiencia en el musical de Broadway en donde fue suplente de algunos de los actores que interpretaban a los huérfanos, pero no de quien hacía de Annie. También había hecho algo de publicidad. El film que costó 50 millones de dólares, un presupuesto bastante elevado para la época, se estrenó el 21 de Mayo de 1982. Se convirtió en la décima película más taquillera de ese año, pero sus 57 millones recaudados no ayudaron demasiado. La crítica tampoco respaldó a la película y los creadores del musical consideraron que el film no tenía el espíritu de la obra. Recibió 2 nominaciones al Oscar, a la mejor dirección artística y a la mejor adaptación musical. También estuvo presente en los Globos de Oro, optó a 3 galardones, mejor actriz de comedia o musical para Carol Burnett y Aileen Quinn, y la pequeña optó también al premio de estrella emergente. Y no podemos obviar que “Annie” aspiró a 5 premios Razzie, entre ellos los de peor película y peor dirección, llevándose Aileen Quinn el de peor actriz de reparto.

Aileen Quinn había firmado un contrato con Columbia para rodar nuevas entregas de “Annie”, pero tras los resultados nada satisfactorios el Estudio decidió no continuar con las historias de la pequeña huerfanita. Quinn trabajó en varias producciones teatrales de carácter regional como “El mago de Oz”, “Bye bye, Birdie”, incluso una nueva versión de “Annie”. En televisión trabajaría en la adaptación de “El príncipe rana”. Poco después del estreno de la película que le dio a conocer, cuya banda sonora fue relativamente bien en ventas, Quinn grabaría un disco titulado “Bobby’s girl” que pasó más desapercibido. A la edad de 18 años se retiró del mundo del espectáculo para estudiar Filología Hispánica en la Universidad y desde entonces ha estado trabajando como docente y traductora, Aunque no ha dejado atrás el mundo de la interpretación y ha seguido participando en diversos musicales.

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Mary Carmen Rodríguez

Querido primo Teo:

Hace pocos días se estrenó “Big eyes” de Tim Burton que, a diferencia de los anteriores trabajos del realizador salvo su aproximación al cine de animación “Frankenweenie”, ha vuelto a contar con el respaldo de la mayoría de los críticos. La primera película de Burton fue “La gran aventura de Pee-wee” que estaba concebida para el lucimiento del personaje destinado al público infantil creado por Paul Reubens, Pee-wee Herman, que gozaba de una gran popularidad en los Estados Unidos. Pero un escándalo sexual protagonizado por Reubens acabó prácticamente con él.

Paul Reubens (Nueva York, 1952) era un aspirante a actor y a cómico del stand up. Formaba parte del grupo de comediantes The Groundlings, en donde estaba la futura estrella del “Saturday Night Live” Phil Hartman. En el año 1978 Reubens comenzó a desarrollar un personaje, un hombre que parecía sacado de un cómic y bastante torpe. Hartman le ayudó a darle forma a este personaje. Para eso se tomarían como referentes a Pinocho y a Tintín, y Reubens tomaría la voz nasal de un personaje que interpretó en una obra de teatro que fue considerada bastante odiosa por el público. Tres años después, con la decepción por haber sido rechazado por el “Saturday Night Live”, Reubens decidió pedir dinero y montarle un show a Pee-wee Herman en Los Ángeles. En tan solo cinco meses consiguió un número bastante considerable de seguidores y se situó bajo el radar de la HBO que emitió su show. Antes de todo esto Herman ya había tenido la ocasión de debutar en el cine con la comedia “Cómo flotas, tío”.

Poco a poco el personaje de Pee-wee Herman fue ganando popularidad, apareció en el programa de David Letterman, que fue fundamental para alcanzar el éxito, y como presentador en el “Saturday Night Live”. Este personaje tuvo dos películas, “La gran aventura de Pee-wee” dirigida por Tim Burton no fue bien recibida por la crítica pero funcionó muy bien en la taquilla, teniendo en cuenta que costó siete millones de dólares, la segunda “Big top Pee-wee”, dirigida por Randal Kleiser y que triplicaba su presupuesto, no tuvo tanta suerte. También fue un personaje secundario en otras comedias. Tuvo su propio show infantil en la CBS, “Pee-wee’s Playhouse”, que se mantuvo en antena durante cuatro años y que ganó un total de 15 premios Emmy. Reubens logró que la cadena le diese un año de descanso y acordaron la grabación de 45 episodios y un especial de Navidad. En aquel momento Paul Reubens estaba saturado por su personaje. Siempre quiso mantenerse alejado de los focos, pocos conocían su verdadera identidad y cuando tenía que hacer una aparición en los medios iba caracterizado como su personaje.

En Julio de 1991, en el período en el que estaba de descanso, fue a Saratoga a visitar a unos familiares y la policía le pilló masturbándose en un cine porno. Él no fue el único detenido y el incidente no habría llegado a la prensa tan rápido si a Reubens no se le hubiese ocurrido gritarle al agente que le detuvo “¡Yo soy Pee-wee!” y de paso intentar hacer una obra en beneficio de los niños de la comunidad en la oficina del sheriff para que el asunto no llegase a mayores. Un reportero local descubrió esta historia y el abogado de Reubens intentó comprar su silencio. No había sido la primera detención de Reubens, en el pasado le arrestaron por posesión de marihuana. Cuando estalló el escándalo y se filtró su ficha policial la CBS dejó de emitir las reposiciones de su programa, Toys ‘R’ Us retiró los juguetes de Pee-wee y Disney suspendió la emisión de una de sus actuaciones. Finalmente Reubens fue condenado a prestar 75 horas de servicios en beneficio de la comunidad y grabó un anuncio contra la droga, lo hizo como Pee-wee Herman. Se llegó a comentar que Reubens estaba tan harto de Pee-wee que estaba deseando cargárselo y que había encontrado la mejor manera para hacerlo. Ciertamente el impacto del escándalo en el actor fue tal que quiso mantenerse alejado de los medios de comunicación durante aproximadamente una década, tan solo apareció ataviado como su personaje en un par de ocasiones, entre ellas una gala de los premios MTV.

Mientras tanto Reubens se apartó de Herman e hizo pequeñas participaciones en varias películas como en “Buffy cazavampiros”, “Matilda”, “Batman vuelve” y “Pesadilla antes de Navidad”. También hizo doblaje y poco a poco fue adquiriendo cierta notoriedad. En televisión tuvo un personaje recurrente en la comedia “Murphy Brown”, por el que fue nominado a un Emmy. También trabajó en “Blow” de Ted Demme, por el que consiguió muy buenas críticas, y volvió a recibir guiones. En Noviembre de 2002 protagonizaría un nuevo escándalo cuando la policía registró su casa y se encontró material de pornografía infantil, estaba relacionado con la investigación que se le estaba realizando a Jeffrey Jones que fue arrestado posteriormente. Reubens argumentó que era un gran coleccionista de material pornográfico, especialmente gay, y logró alcanzar un acuerdo. Durante los siguientes tres años la policía estuvo registrando su domicilio y no se pudo acercar a menores si éstos no estaban en compañía de sus padres.

En estos años Paul Reubens ha participado en diversas series como “Rockefeller Plaza”, “Dirt” o “The blacklist”. Figura en el reparto de “Nailed”, la película de David O. Russell cuyo rodaje se paralizó en junio de 2008 porque la compañía financiadora se quedó sin dinero y que tras varios años intentando finalizarla parece que se estrenará en el 2015. Reubens ha resucitado a Pee-wee Herman para algunos programas de televisión y está intentando llevar de nuevo al personaje a la gran pantalla.

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Mary Carmen Rodríguez

Querido primo Teo:

Con la excusa de las nominaciones a los Oscar te traigo por aquí a Taraji P. Henson, que vuelve a estar de actualidad por el estreno de la serie de Lee Daniels “Empire”. La actriz que logró una nominación por su trabajo en “El curioso caso de Benjamin Button” se ha lamentado de la poca repercusión que ha tenido en su carrera haber sido finalista a un premio de la Academia.

Taraji P. Henson (Washington, 1970) abandonó su carrera de Ingeniería cuando decidió convertirse en actriz. Estudió Arte Dramático en la Universidad de Howard y, cuando ya estaba cursando el tercer año, se quedó embarazada, fruto de la relación que mantenía con William Johnson, que era su novio desde el instituto. Su hijo nació en 1994 y Taraji, que no quería cesar en su empeño para convertirse en actriz, para pagarse las clases trabajaba durante el día como secretaria en el Pentágono, y por la noche como camarera para una línea de cruceros, formando también parte del espectáculo “Dreamgirls” que se representaba en los barcos. En el año 1997 sucedería algo que marcaría su vida ya que su novio fue asesinado, y se quedó sola, con un hijo de tan solo tres años, y con muy pocos recursos para salir adelante. No tardaría mucho en comenzar a trabajar en televisión, interviniendo en series como “Cosas de hermanas”, “Urgencias”, “Felicity”, “Doctoras en Philadelphia”, “House” o “CSI”. Su primer papel relativamente importante en una serie lo hizo en “The division” que se centraba en las vidas de cinco policías de San Francisco y que se mantuvo en antena durante cuatro temporadas, Taraji P. Henson intervino en la última. También tuvo un papel regular en “Boston Legal” y “Eli Stone”.

A partir del año 2005 comenzó a ser un rostro recurrente en la gran pantalla con títulos como “Cuatro hermanos”, “Talk to me” y “Hustle & flow”, Taraji P. Henson llegó a interpretar en la ceremonia de los Oscar del 2006 el tema de esta película que terminaría llevándose la estatuilla. Sus mayores alegrías llegaron cuando fue elegida para dar vida a Queenie, la madre adoptiva de Benjamin Button en el film dirigido por David Fincher. Queenie era un personaje entrañable y con su interpretación Taraji P. Henson logró conquistar a la crítica y obtuvo una candidatura al Oscar a la mejor actriz de reparto. Hasta “El curioso caso de Benjamin Button” la labor como director de actores de David Fincher no había sido reconocida por los académicos, y salvo alguna mención su cine tampoco tenía presencia en los premios.

Tras “El curioso caso de Benjamin Button” trabajó en otros títulos como “Larry Crowne, nunca es tarde”, “En qué piensan los hombres”, “The Karate Kid” y fue candidata al Emmy por el telefilm “Secuestrado: La historia de Tiffany Rubin”. También tuvo un papel en la serie “Vigilados: Person of interest”. Recientemente Taraji P. Henson confesó en una entrevista que se ha sentido infravalorada en la industria y que optar al Oscar no le ha beneficiado en absoluto: “Tengo todo el galardón que se le pide a un actor de clase A pero me tratan como si estuviese en la clase D. Me tengo que disputar los trabajos con actrices que no han hecho ni la mitad de lo que he logrado”.

La semana pasada se estrenó “Empire”. La serie se emite en la Fox tiene el sello de Lee Daniels (“Precious”), Danny Strong (“El mayordomo” y “Game change”) y Brian Grazer se centra en el mundo de la música hip hop. El gran protagonista es Lucious Lyon, interpretado por Terrence Howard, un ex narcotraficante que se ha reciclado en el mundo de la música, en donde le ha ido muy bien, y al que le diagnostican ELA. Le queda poco tiempo de vida y su ex mujer (Henson) y sus tres hijos se disputarán su imperio. Ha sido definida como un cruce entre “El rey Lear”, “El león en invierno” y “Dinastía”. Las críticas no son sobresalientes pero tampoco son malas y tuvo una buena audiencia el día de su estreno.

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Mary Carmen Rodríguez

Querido primo Teo:

A lo largo de estos meses te hemos ido informando de todo lo que ha sucedido durante esta temporada de premios. Ganar la estatuilla puede suponer el inicio del declive de una estrella emergente, bien lo sabe Richard Dreyfuss, que después de convertirse en el intérprete más joven en alzarse con el Oscar al mejor actor por “La chica del adiós” entró en una espiral autodestructiva que no solo arruinó su carrera sino que estuvo a punto de costarle la vida.

Richard Dreyfuss (Nueva York, 1947) comenzó a trabajar como actor en su adolescencia. Intervino en algunas series conocidas de la época como “Peyton Place” y “Embrujada” mientras que intentaba desarrollar su carrera teatral. Sus primeras apariciones cinematográficas las hizo en “El graduado” y “El valle de las muñecas”, pero no sería hasta “American graffiti” de George Lucas cuando se quedaron con su nombre. Su salto al estrellato llegaría definitivamente de la mano de Steven Spielberg con quien rodó “Tiburón” y “Encuentros en la tercera fase”

En el año 1977, además de estrenarse “Encuentros en la tercer fase”, llegó a las pantallas “La chica del adiós”, de Herbert Ross, una película que escribió el dramaturgo Neil Simon para la que en aquel entonces era su esposa, la actriz Marsha Mason. Del film te hablé en su día por Quinn Cummings. “La chica del adiós” fue un éxito de crítica y de público y por su interpretación de aspirante a actor, bastante neurótico, Richard Dreyfuss se alzó con el Oscar al mejor actor. Tenía 30 años, aparentaba unos cuantos más, y batió el récord que en aquel momento ostentaba Marlon Brando por “La ley del silencio”. Ahora lo tiene Adrien Brody por “El pianista”.

En aquel momento Dreyfuss había alcanzado la cúspide de su carrera y se iniciaba su descenso a los infiernos por culpa de su incipiente adicción a la cocaína y al alcohol. Sus siguientes trabajos no fueron bien recibidos ni por el público ni por la crítica y llegó a ser candidato al Razzie por “El concurso”. Todo fue a peor hasta que en el año 1982 tuvo un accidente de tráfico. Mientras conducía su Mercedes se desmayó y se estrelló contra una palmera. La policía halló en el vehículo restos de cocaína y de otras drogas. Tal y como relató en sus memorias: “En el momento del accidente era miembro de la junta, y probablemente el presidente de la asociación de los idiotas”. Dreyfuss tocó fondo pero volvió a las andadas, sus días eran incompletos si no tenía una dosis elevadas de alcohol y cocaína y no participaba en una orgía. El actor llegó a confesar que mientras estaba dándolo todo en una orgía celebrada el 19 de Noviembre de 1982 tuvo una visión que le cambió la vida: “Noté que me acompañaba una niña que llevaba unas gafas de pasta y un vestido rosa, aquélla niña podía ser la que pude haber matado la noche en la que perdí el control, o tal vez era la hija que todavía no he tenido”. Dreyfuss decidió abandonar los excesos y justamente un año después nació su hija. El actor también ha reconocido que es bipolar, de hecho participó en el documental de Stephen Fry “La vida secreta de un maníaco depresivo”.

A mediados de los ochenta se produjo el regreso de Richard Dreyfuss con títulos como “Cuenta conmigo”, “Loca” o “Always”, de nuevo a las órdenes de Spielberg, aunque no llegó a alcanzar su anterior status. En 1996 volvió a ser nominado al Oscar por “Profesor Holland”. Aunque no esté en la primera línea, Dreyfuss no ha dejado de trabajar, en los últimos años ha participado en las series “Weeds” y “Parenthood”. También se ha dedicado a explotar su vena literaria, además de escribir sus memorias, es el autor junto a Harry Turtledove de la novela de ciencia ficción “The two Georges”, también participa en una empresa dedicada a fomentar la enseñanza de la Historia de los Estados Unidos y es un destacado activista político.

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Mary Carmen Rodríguez

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Renée Zellweger era una de las estrellas más mimadas de Hollywood cuando se alzó con el Oscar a la mejor actriz de reparto por “Cold Mountain” pero tras ganar la estatuilla su carrera comenzó a caer en picado.

La Zellweger (Texas, 1969) era una estudiante de Filología Inglesa que se metió en clases de teatro para conseguir más créditos en su licenciatura. Ahí se dio cuenta de que realmente quería ser actriz. Hizo algún spot televisivo e intervino en varias películas de bajo presupuesto rodadas en Austin, entre ellas “Movida del 76″ de Richard Linklater. Su primer protagonista le llegó con “La matanza de Texas: La nueva generación” y fue nominada a un Independent Spirit por “Amor del calibre 45″.

Su salto a la fama le llegaría cuando fue elegida para acompañar a Tom Cruise en “Jerry Maguire”, que le llevó a ser nominada a un SAG como actriz de reparto. Hasta que llegó su primera gran oportunidad de lucirse como intérprete con el drama “Cosas que importan”, la carrera de Zellweger corrió el riesgo de quedarse estancada en el papel de chica de en títulos como “El soltero” y “Yo, yo mismo e Irene”. Con la comedia “Persiguiendo a Betty” de Neil LaBute el público y la crítica comprobaron hasta dónde podía llegar como actriz. Aquélla rubia de Texas tenía encanto y muchísimo talento. Por este film logró su primer Globo de Oro, el galardón le pilló en el baño. Y conseguiría la oportunidad de protagonizar “El diario de Bridget Jones”. Que ese papel fuese a parar a una actriz norteamericana tan poco rolliza no sentó nada bien a los lectores de los libros de Helen Fielding, pero Zellweger logró imitar el acento británico y engordó casi diez kilos. Y el resultado fue bastante satisfactorio. “El diario de Bridget Jones” fue un éxito que recaudó casi 300 millones de dólares en todo el mundo, y costó 45 millones. Zellweger lograría su primera nominación al Oscar en el 2002 y alcanzaría definitivamente el status de estrella.

Bajó de peso en muy poco tiempo y se puso en forma para interpretar a Roxie Hart en la adaptación cinematográfica del musical “Chicago” dirigida por Rob Marshall. Con su interpretación enloqueció a la crítica y al público. A los espectadores les parecía increíble que aquélla actriz fuese capaz de tener tanta soltura en los números musicales. En aquel momento Zellweger tenía a Hollywood a sus pies. Lograría su segundo Globo de Oro y una segunda nominación consecutiva al Oscar y sería premiada por partida doble por el Sindicato de Actores. El film se alzó con el Oscar a la mejor película y con otras cinco estatuillas. La oportunidad definitiva le llegaría un año después con “Cold Mountain” de Anthony Minghella. Ella pensaba que le iban a dar el papel de Ada Monroe que finalmente fue para Nicole Kidman y se tuvo que conformar con el de Ruby Thewes. Zellweger se convirtió en el contrapunto cómico del film llegando a ser lo más valorado. Lograría su tercer Globo de Oro, un nuevo premio del Sindicato de Actores y finalmente el Oscar a la mejor actriz de reparto.

Estando en la cima de su carrera ese mismo año estrenaría “Bridget Jones: Sobreviviré” . Fue masacrada por la crítica y su taquilla fue bastante menor que la de la primera, hizo casi 100 millones menos en todo el mundo, y costó 70. Aun así nunca se ha descartado una tercera entrega. A partir de este momento la crítica comenzó a cebarse con Zellweger considerándose que la actriz se había convertido en una autoparodia, y eso se notó cuando se estrenó “Cinderella Man” de Ron Howard en el 2005. “Miss Potter”, que también se encargó de producir, no funcionó nada bien. También fracasaron “Ella es el partido”, dirigida por su amigo George Clooney, y “Appaloosa”, de Ed Harris, en donde nadie entendió su presencia en dicho film, y “Expediente 39” que por lo menos le sirvió para iniciar una relación con Bradley Cooper. Su última película se estrenó en el 2010 y era “Nuestra canción de amor”, dirigida por Olivier Dahan y que pretendía ser un vehículo para los Oscar pero no lo vio nadie.

Tras cinco años retirada del mundo de la interpretación en los que se ha dedicado a labores humanitarias y también a vivir de las rentas de sus éxitos, vuelve al cine con dos películas, “The whole truth” y “Same kind of different as me”, aunque su rostro ya no tenga nada que ver con el de la actriz que conocimos en los noventa y que odiaba que le dijesen que se parecía a Doris Day.

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Mary Carmen Rodríguez

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Hace unos días que finalizó la 65ª edición del Festival de Berlín. Entre los títulos que se proyectaron en la Berlinale destacaba la versión extendida de “Studio 54” de Mark Christopher. Este film no tiene motivos para pasar a la Historia pero sí que será recordado porque tuvo un proceso infernal que destrozó la carrera de su director.

En el año 1995 Miramax acababa de rechazar un guión escrito por Paul Thomas Anderson titulado “Boogie nights”, en aquélla época la compañía estaba muy tocada tras los estrenos de las controvertidas “Kids” y “Priest” y no estaba muy por la labor de producir un film sobre la industria del porno. Pero sí que mostró interés en otro considerado más light titulado “54” y escrito por Mark Christopher (Iowa, 1963) que narraba los días de gloria del mítico Studio 54 de Nueva York. A Harvey Weinstein le gustaba el guión porque era sexy, transgresor y moderno pero, al mismo tiempo, pensaba que la historia no iba a conectar con el público, por lo que comenzó a sugerir una serie de cambios. El proyecto tardó dos años en salir adelante y Miramax impuso a un reparto que no le gustaba nada al director, Ryan Phillippe, Neve Campbell, Salma Hayek y Mike Myers, nombres reconocibles por el público y que ayudarían a su campaña promocional.

Una vez rodada la película, Harvey Weinstein vio un primer montaje en Febrero de 1998 y se volvió loco con la idea de que una película de estas características iba a llegar a las masas, pensaba que tenía en las manos la versión noventera de “Fiebre del sábado noche”. Decidió hacer un pase de prueba en un centro comercial de Long Island, una de sus tácticas habituales, y fue un auténtico desastre. El público odió a su protagonista y Weinstein quiso eliminar cualquier referencia a su bisexualidad, la escena que más le incomodaba era la del beso que le daba Shane (Ryan Phillippe) a su compañero de piso, siempre se ha comentado que a Harvey Weinstein le interesa tener en el bolsillo al público homosexual pero que no se considera por ser un “gay friendly”. Quería darle otro enfoque a la historia, conseguir que fuese lo suficientemente atractiva para el público y, a espaldas de Mark Christopher, contrató a un nuevo equipo de guionistas para que el protagonista se enamorase del personaje interpretado por Neve Campbell, Christopher se negó a rodar estas escenas adicionales y Weinstein amenazó con despedirle. El director aceptó a regañadientes y ni siquiera pudo entrar en la sala de montaje.

“Studio 54” tenía un presupuesto inicialmente previsto en los 8 millones de dólares pero terminó costando 13. Se estrenó en los Estados Unidos el 28 de Agosto de 1998. Miramax tenía la esperanza de que por lo menos Mike Myers, que intentaba darle un giro a su carrera con su interpretación de Steve Rubell, uno de los fundadores del Studio 54, llamase la suficiente atención para entrar en la temporada de premios, pero las críticas de “54” fueron tan negativas y la película fue tan mal en la taquilla, ni siquiera llegó a los 20 millones de dólares, que no se logró. Sí que se consiguieron dos candidaturas a los Razzie en las categorías de peor actor para Ryan Phillippe y peor actriz de reparto para Ellen Albertini Dow.

La carrera de Mark Christopher se truncó. La HBO le había ofrecido dirigir un film sobre la figura de Harvey Milk, “The mayor of Castro Street”, y ante el fracaso de “Studio 54” decidió suspender el proyecto, no hay que confundirlo con “Mi nombre es Harvey Milk” que dirigió Gus Van Sant. Tardó siete años en volver a dirigir otra película, “Pizza”, en esta ocasión rodada fuera de la industria. Y ha creado un reality llamado “Real life: The musical”. En el año 2008 asistió a un festival LGTB y se proyectó en su honor “Studio 54”. En aquel momento los hermanos Weinstein ya no estaban en Miramax y decidió recuperarla para montarla tal y como la ideó. Consiguió la autorización del Estudio y de los actores que intervinieron en el film. Se eliminaron los 25 minutos que Weinstein obligó a incluir y se recuperaron los 36 que fueron desechados. Esta nueva versión fue presentada en la sección Panorama del Festival de Berlín y las críticas fueron bastante mejores que las que recibió en 1998.

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Mary Carmen Rodríguez

Querido primo Teo:

Hace unos días Patricia Arquette se convertía en la flamante ganadora del Oscar a la mejor actriz de reparto por su interpretación de madre universal en “Boyhood” de Richard Linklater. Coincidiendo con su más que merecido galardón, y con su aplaudida, y también cuestionada, reivindicación de la igualdad salarial entre hombres y mujeres, se ha estrenado en los Estados Unidos “CSI: Cyber”, que aunque no ha ido del todo mal en cuanto a audiencias sí que ha sido bastante mal recibida por parte de la crítica.

De Patricia no te voy a hablar, pero sí de su familia. La saga de los Arquette comenzó con el abuelo Cliff (Toledo, Ohio 1905-1974) que tras varias décadas trabajando en el teatro, la radio y el cine se convirtió en una celebridad prácticamente en sus últimos años de vida gracias a Charley Weaver, un personaje que interpretó en varios programas de televisión entre ellos “Tonight Show” de la NBC. Su hijo Lewis (Chicago, 1935-2001) fue director de teatro y un secundario habitual de la pequeña y gran pantalla, le vimos por ejemplo en “Tango y Cash” y “Scream 2”.

Lewis tuvo cinco hijos con la también actriz y profesora de interpretación Brenda Denaut (Illinois 1939-1997). La mayor, Rosanna (Nueva York, 1955) tomaría la decisión de convertirse en actriz a la edad de 14 años y se largaría a Los Ángeles para cumplir su sueño. Tras una serie de papeles en el cine y en la televisión fue candidata a un Emmy por el telefilm “La canción del verdugo”. Mayor proyección alcanzaría gracias a “Buscando a Susan desesperadamente”. La película de Susan Seidelman se convirtió en un éxito gracias a Madonna que acababa de ser entronizada en el mundo de la música pop, pero fue Rosanna Arquette la que se llevó las buenas críticas, incluso sería galardonada con el Bafta a la mejor actriz de reparto, y eso que era la protagonista. Tras esta llegarían “Silverado” de Lawrence Kasdan, “¡Jo, qué noche!” e “Historias de Nueva York” de Martin Scorsese, siendo por la primera fue nominada al Independent Spirit y al Bafta. Durante la década de los noventa participó en “Pulp fiction” de Quentin Tarantino y en “Crash” de David Cronenberg. En el 2002 realizó el documental “Buscando a Debra Winger”, en donde ella y otras intérpretes hablaron de la situación que viven las actrices en el mundo del cine, de su papel en una industria que realiza productos mayoritariamente destinados al consumo del público masculino y joven, y de las dificultades que tienen para conciliar la vida laboral con la familiar. Ha dirigido otro documental, “All we are saying”, centrado en el mundo de la música, algo que le ha tocado de cerca ya que estuvo casada con el compositor James Newton Howard y mantuvo relaciones con Peter Gabriel y Steve Porcaro, el teclista de Toto que tuvo un gran éxito con la canción “Rosanna”. Durante los últimos años la carrera de la mayor de los Arquette se ha desarrollado más en la televisión, participando en series como “L”, “Ray Donovan” y Girls”. Actualmente está preparando su nuevo proyecto como realizadora que tiene tintes autobiográficos.

El más desconocido del clan es Richmond (1963) que ha desarrollado su carrera en el cine y la televisión sin demasiado éxito. Ha trabajado en varias películas de David Fincher y su papel más importante lo hizo en “El curioso caso de Benjamin Button”. Por otro lado, Alexis (1969) debutó en el cine en “Última salida Brooklyn”, realizó un cameo en “Pulp fiction”, y participó en otras películas como “Un chico ideal” o “La novia de Chucky”. En el año 2007 narró su proceso de reasignación sexual en el documental “Alexis Arquette: She’s my brother” de Matthew Barbato. Es una figura habitual de los reality shows de la televisión usamericana.

El benjamín de la familia, David (1971), se dio a conocer en la década de los noventa gracias a la saga “Scream”. Al margen de esto su carrera cinematográfica se ha desarrollado con muy poca fortuna. Durante el rodaje de “Scream” conoció a la actriz Courtney Cox con quien se casó en 1999, se separaron en 2013, junto a ella formó la productora Coquette que ha estado al frente de algunas series como “Dirt” o “Cougar Town”. Lo más curioso de Arquette es que ha desarrollado su faceta como luchador libre profesional llegando incluso a ganar varios campeonatos.

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Mary Carmen Rodríguez

Querido primo Teo:

Hace 25 años que se estrenó “Pretty woman”. Hoy se considera al film de Garry Marshall uno de los títulos más icónicos de la Historia reciente del cine, buena prueba de su popularidad es que siempre da excelentes resultados a las cadenas de televisión que deciden programarlo. También entronizó a Julia Roberts y revitalizó la carrera de Richard Gere. En la película tenía un breve papel la actriz Laura San Giacomo, que a pesar de tener un exitoso debut cinematográfico no llegó a mucho más.

Antes de interpretar a la mejor amiga de Vivian, Laura San Giacomo (New Jersey, 1962) era una de las revelaciones del año 1989 gracias a ese sleeper que fue “Sexo, mentiras y cintas de vídeo” que convirtió a un Steven Soderbergh de tan solo 26 años en el ganador más joven de la cotizada Palma de Oro del Festival de Cannes. San Giacomo fue galardonada por la crítica de Los Ángeles, se llevó el Independent Spirit y optó al Globo de Oro a la mejor actriz de reparto, curiosamente ese galardón fue a parar a las manos de Julia Roberts por “Magnolias de acero”, que ni en sus sueños más húmedos se veía como la gran estrella que estaba a punto de ser. En un primer momento “Pretty woman” iba a ser mucho más oscura y dramática pero Jeffrey Katzenberg, que en aquel momento estaba al frente de Disney, pensó que lo mejor era transformarla en un cuento de hadas moderno. El film se estrenó el 23 de Marzo de 1990, sus críticas no fueron unánimemente buenas, pero gracias al boca a oreja se convirtió en un fenómeno cinematográfico, llegando a recaudar 463 millones en todo el mundo y solamente costó 14 millones.

Julia Roberts se convirtió en la reina de Hollywood, sigue manteniendo ese status, Richard Gere recicló su carrera, pero Laura San Giacomo no se vio beneficiada de su participación en la película. Tras una serie de títulos menores, muchos de ellos destinados a las estanterías de cualquier vídeoclub, se pasó definitivamente a la televisión, fue determinante el nacimiento de su hijo Mason que sufre una parálisis cerebral. En 1997 estrenó la serie “Dame un respiro” en donde la actriz daba vida a una aguerrida periodista que termina trabajando en una revista de moda. La serie de la NBC gozó de muy buena audiencia y ella fue nominada a un Globo de Oro. Finalmente se canceló en el 2003.

Tras finalizar “Dame un respiro” siguió vinculada a la pequeña pantalla con “Saving Grace” y participó en otras series como “Veronica Mars”, “Medium” y “El mentalista”. Desde el nacimiento de su hijo ha estado muy implicada en las causas benéficas relacionadas con los discapacitados.

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Mary Carmen Rodríguez

Querido primo Teo:

Acabamos de pasar la Semana Santa y aprovechando estas fechas de recogimiento no solo se ha emitido en televisión sino que se ha proyectado en muy pocas salas la versión remasterizada de “Ben-Hur” de William Wyler, una de esas películas que han sido consideradas más grandes que la vida. Coincide además con el rodaje de una nueva versión de la novela escrita por Lew Wallace que dirige el ruso Timur Bekmambetov (“Wanted”) y que protagoniza el británico Jack Huston, el estreno de este film está previsto para Febrero del próximo año. Qué mejor ocasión para recordar al actor Stephen Boyd que interpretaba a Messala, la némesis de Judá Ben-Hur.

Stephen Boyd (Irlanda del norte, 1931) era un joven que no tenía demasiada fortuna en sus aspiraciones de convertirse en un actor profesional. Hizo prácticamente de todo antes de que fuese descubierto por Michael Redgrave. Gracias a él lograría un contrato cinematográfico con la 20th Century Fox, antes le aconsejó pulir su acento de Belfast y que se cambiase el nombre porque llamándose William Millar no iba a llegar muy lejos, así que optó por otro más sonoro como Stephen Boyd, éste era el apellido de soltera de su madre. Su primer papel relevante lo hizo en “El hombre que nunca existió” de Ronald Neame por el que fue nominado al Bafta. Tras ella llegarían “Una isla al sol” de Robert Rossen, “El vengador sin piedad” de Henry King o “La mujer obsesionada” de Henry Hathaway.

William Wyler se fijó en Stephen Boyd para interpretar a Messala, además de su imponente físico le interesaba que fuese un actor capaz de hacer cualquier cosa, curiosamente en un primer momento se pensó en Charlton Heston para el papel de Messala, pero cambiaron de idea al ver que no había nadie mejor que él para interpretar a Judá Ben-Hur, además, muchos actores habían rechazado el papel. Boyd que tenía los ojos azules tuvo que recurrir a unas lentillas marrones para contrastar con la mirada azul de Heston.

Mucho se ha hablado del subtexto gay de “Ben-Hur”. Tal y como comentó uno de sus guionistas, el escritor Gore Vidal, en el documental “El celuloide oculto: El armario de Hollywood” tanto él como William Wyler y Stephen Boyd eran conscientes de que la amistad entre Judá y Messala era de lo más entrañable, y que no quisieron decirle nada a Heston. Stephen Boyd nunca admitió que era homosexual, se casó en dos ocasiones, primero con la productora italiana Mariella Di Sarzana, el matrimonio duró tres semanas, y posteriormente con su secretaria Elizabeth Mills. La explosiva Raquel Welch contó en sus memorias que durante el rodaje de “Fantastic voyage” se volvió loquísima con Boyd pero que aquel tigre que pensaba que desgarraría sus ropas y que se la comería completa resultó vegetariano (Paquita la del Barrio dixit), vamos que se llevó una mayúscula decepción.

“Ben-Hur” se estrenó con un éxito extraordinario el 18 de Noviembre de 1959, convirtiéndose en la segunda película más taquillera de la Historia tras “Lo que el viento se llevó”. Las críticas también fueron excelentes. Ganó 11 Oscar, optó a doce estatuillas, la única que se quedó en la cuneta fue la de mejor guión adaptado. Stephen Boyd se llevó el Globo de Oro al mejor actor de reparto pero se llevó la sorpresa de su vida cuando no fue nominado al Oscar, sí lo fue Hugh Griffith que se hizo con la estatuilla por su interpretación de Sheik Ilderim.

Tras “Ben-Hur” la carrera de Stephen Boyd no terminó de arrancar, como él dijo en una ocasión Hollywood intentó convertirle en una estrella cuando él era un actor de carácter. También participó en dos sonoros fracasos “La caída del imperio romano” de Anthony Mann y “El Oscar” de Russell Rouse, que condenaron su futuro en Hollywood. Encontró su refugio en Europa en donde por ejemplo rodó a las órdenes de Pedro Lazaga “Mil millones para una rubia”. Quiso volver a Hollywood, participó en un episodio de la serie “Hawai 5-0”, pero el 2 de Junio de 1977 un ataque al corazón acababa con él de manera fulminante mientras disfrutaba de una plácida jornada en un campo de golf, tenía tan solo 45 años.

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Mary Carmen Rodríguez

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Hace unas semanas se estrenó en los Estados Unidos la miniserie “AD: The Bible continues”, que como su título indica es la continuación de “La Biblia” que se emitió con gran éxito hace dos años aunque las críticas fueron atroces. Tan solo se han pasado tres episodios en la NBC, la primera fue en History, y a pesar de que ha salido mejor parada ante la crítica no ha gozado de las espectaculares cifras de audiencia que la anterior. En esta miniserie interviene Greta Scacchi, dando vida a la virgen María. Ella fue una de tantas intérpretes europeas que intentaron hacer carrera en Hollywood aunque no tuvo demasiado éxito.

Nació en Italia hace 55 años, aunque su familia se estableció en Inglaterra y posteriormente en Australia, en donde comenzó a introducirse en el mundo de la interpretación. Ya en Londres ingresó en la escuela de teatro del Bristol Old Vic, mientras trabajaba como modelo publicitaria. Fue descubierta por el director alemán Dominik Graf que le ofreció protagonizar la película “Das zweite Gesicht”. En 1984 sería nominada al Bafta por “Oriente y Occidente” de James Ivory. Prosiguió su carrera, tanto en Inglaterra como en Australia, y en 1988 Hollywood llamó a su puerta.

Su carta de presentación fue el thriller “Presunto inocente” de Alan J. Pakula en donde daba vida a la amante asesinada del protagonista, interpretado por Harrison Ford. El film fue muy bien recibido por la crítica y se convirtió en una de las películas más taquilleras del año 1990. El papel de Scacchi era breve pero la actriz lució su espectacular físico, algo a lo que estaba acostumbrada y que siguió explotando en películas como “Fuegos internos” y “La noche de los cristales rotos”, y que le puso en bandeja el papel de Catherine Tramell de “Instinto básico”, que rechazó para salvar su relación con su primer marido, el actor Vincent D’Onofrio. También trabajó a las órdenes de Robert Altman en “El juego de Hollywood”. Greta Scacchi tenía clase y un físico que le acompañaba pero eso no era suficiente para triunfar en la meca del cine, además su matrimonio con D’Onofrio, con quien tuvo a su hija Leia que se ha convertido en actriz, fue muy tormentoso. Cuando la hija de la pareja tenía tan sólo seis meses él decidió salir corriendo porque decía no estar preparado para llevar una vida familiar, esta situación condujo a Greta a una fuerte depresión que le llevó a estar cuatro años retirada, y cuando volvió a trabajar nadie le echaba de menos. Participó en “El violín rojo” y colaboró con el tándem Ivory/Merchant por partida doble, primero en “Jefferson en París” de James Ivory, y posteriormente en “Cotton Mary” de Ismail Merchant y Madhur Jaffrey. En 1996 ganó el Emmy a la mejor actriz de reparto por la miniserie “Rasputín”. También fue premiada por la Academia de cine australiano por “Buscando a Alibrandi”.

En los últimos años su carrera se ha desarrollado principalmente sobre los escenarios de Inglaterra y Australia y en la pequeña pantalla. A nivel cinematográfico no es tan activa. Es una de esas actrices que se han negado a pasar por el quirófano, si no se escriben muchos papeles para las mujeres mayores de cincuenta años a muy pocos productores les interesa contar con una intérprete que asuma el paso del tiempo. Como bien dijo en una entrevista “estoy muy contenta de haber llegado a una edad en la que ya no tengo que fingir que soy elegante, sofisticada, de clase alta y esbelta, esas cosas absurdas que me tuvieron obsesionada durante buena parte de mi vida”. Desde hace casi veinte años está unida sentimentalmente a Carlo Mantegazza, con quien tiene un hijo.

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Mary Carmen Rodríguez

Querido primo Teo:

Dentro de unos días arrancará la 68ª edición del Festival de Cannes. Estarás informado de todo lo que suceda en el certamen. Si nos ponemos a hacer una encuesta de las mejores y peores Palmas de Oro probablemente se sitúe en las dos a “La misión” de Roland Joffé. El director británico tuvo un inicio de carrera espectacular pero no tardó mucho en comenzar a hundirse.

Roland Joffé (Londres, 1945) se inició trabajando en la televisión, primero en Granada TV y posteriormente en la BBC, en donde el director se enfrentó a una amenaza de veto por su probable vinculación al grupo trotskista Partido Obrero Revolucionario. En 1984 debutó en el cine con el film “Los gritos del silencio”, basada en las vivencias de tres periodistas en Camboya durante el régimen de los Jemeres Rojos. Gozó de un gran éxito de crítica. Joffé fue candidato al Bafta y al Oscar, y la cinta lograría 3 Oscar  y 8 premios de la Academia de cine británico, entre ellos el de mejor película.

En mayo de 1986 se presentó en el festival de Cannes su segunda película, “La misión”, sobre las experiencias de un misionero jesuita en la América del Sur del siglo XVIII. El jurado que estaba presidido por Sydney Pollack le concedió la Palma de Oro, por encima de “Jo, ¡qué noche!” de Martin Scorsese o “Thérèse” de Alain Cavalier. A pesar de este galardón, y de sus buenas críticas, aunque sí que se le cuestionó por sus inexactitudes históricas, “La misión” no fue un gran éxito de taquilla, ya que fue una película bastante costosa. Joffé volvió a ser candidato al Oscar, el film obtuvo otras seis nominaciones y solamente se llevó el premio a la mejor fotografía, para Chris Menges, que ya fue galardonado por “Los gritos del silencio”. Si por algo es recordado “La misión” es por la extraordinaria banda sonora compuesta por Ennio Morricone, que se llevó todos los premios importantes del año menos el Oscar que fue a las manos de Herbie Hancock por “Alrededor de la medianoche”.

“La misión” supuso la cumbre de la carrera de Roland Joffé. A partir de aquí comenzó a decaer. “Creadores de sombras”, protagonizada por Paul Newman, no funcionó, al igual que “La ciudad de la alegría”. Es realmente sorprendente que gracias a su empeño se levantase la adaptación cinematográfica del vídeojuego “Super Mario Bros”, que produjo y dirigió en la sombra, aunque no llegara a ser acreditado, que fue un absoluto desastre. Pero aún podía caer más bajo con algunas de sus siguientes películas como director, como la nueva versión de “La letra escarlata” protagonizada por Demi Moore y Gary Oldman, que fue ruinosa y la crítica se ensañó con ella. Joffé logró una nominación al Razzie a la peor dirección. También aspiró a ese galardón por el thriller “Captivity”, estrenada en el 2007 y que causó polémica en los Estados Unidos por los carteles en donde se veía enterrada a su protagonista, Elisha Cuthbert.

Su penúltimo largometraje fue la producción entre España, Argentina y Estados Unidos “Encontrarás dragones” sobre la figura del fundador del Opus Dei, Jose María Escrivá de Balaguer, que tan solo hizo un millón de dólares en todo el mundo y costó 36 millones, así que es imposible considerar que fue un éxito. Su último film ha sido “The lovers”, protagonizado por Josh Harnett, que después de estar en el limbo durante un par de años acabó teniendo un estreno online en los Estados Unidos.

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Mary Carmen Rodríguez

Querido primo Teo:

Continuamos bajo la influencia del Festival de Cannes que terminó hace unos días. Barbara Hershey sigue ostentando la marca de ser la única actriz que se ha alzado con dos premios de interpretación consecutivos del festival de festivales. Durante los años ochenta, época en la que fue premiada por Cannes, era una de las intérpretes norteamericanas preferidas por los críticos, pero lamentablemente el paso del tiempo ha terminado relegando a una actriz con tanto talento.

A los 17 años, Barbara Hershey (Los Ángeles, 1948) se buscó un agente y no tardó en comenzar a trabajar en la televisión, participando en series como “Gidget”, “Los Monroe” o “El gran chaparral”. Durante el rodaje de la película “Un paraíso a golpe de revólver” se enamoró de David Carradine, con quien tuvo un hijo. Durante los seis años que duró la relación trabajaron en varias ocasiones, entre ellas en “El tren de Bertha” que el primer largometraje de de ficción dirigido por Martin Scorsese. Durante la promoción del film Hershey y Carradine posaron en la revista Playboy emulando las escenas de sexo de la película. La historia con David finalizó cuando él se metió en líos con la justicia y le puso los cuernos con la actriz Season Hubley. Hershey quedó muy tocada, hasta el punto de que se cambió el apellido Hershey, el suyo es Herzstein, por el de Seagull, pero fue peor el remedio. La prensa se mofaba de ella y debido a ese nombre tan hippy en la industria circuló el rumor de que Carradine le había metido en el mundo de las drogas.

En la década de los ochenta se olvidó de “la gaviota” y volvió a llamarse Barbara Hershey. Poco a poco su carrera no solo comenzó a resurgir sino que conquistó definitivamente a la crítica. Para ello fue fundamental su participación en “Profesión: Especialista” de Richard Rush. El director del film quiso apostar por ella a pesar de encontrarse con la oposición de los productores. La película fue un éxito y la interpretación de Hershey fue muy valorada. A partir de aquí llegaron “Elegidos para la gloria”, “El mejor” o “Hannah y sus hermanas”. Por su interpretación en el film de Woody Allen fue nominada al Bafta como actriz de reparto. En 1987 sería premiada en el festival de Cannes por la película “Vidas distantes” de Andréi Konchalovski, también sería galardonada por los críticos de Chicago. Al año siguiente se presentó en el certamen “Un mundo aparte” del habitual director de fotografía Chris Menges, en donde Hershey daba vida a la activista anti-apartheid Diana Roth. La película fue uno de los grandes éxitos de esa edición, se llevó el Gran Premio del Jurado Y el interpretativo femenino para Hershey y para las otras dos protagonistas del film, Jodhi May, de tan solo 13 años, y la arquitecta y actriz ocasional Linda Mvusi. El prestigio de Hershey iba en ascenso y volvió a encontrarse con Martin Scorsese en “La última tentación de Cristo”. Durante el rodaje de “El tren de Bertha” a Scorsese le llamó la atención que Barbara Hershey estuviese leyendo la novela de Nikos Kazantzakis. Años después, cuando la actriz supo que el director se había animado a rodar la película le suplicó que le diese el papel de María Magdalena, él como señal de agradecimiento por haberle recomendado la novela en su día no se lo pensó dos veces. “La última tentación de Cristo” se estrenó en Agosto de 1988, días antes de su proyección en el Festival de Venecia en donde levantó ampollas. Tuvo muy buenas críticas pero no dio mucho dinero en la taquilla, también es verdad que su distribución fue muy limitada. Martin Scorsese fue nominado al Oscar a la mejor dirección y Barbara Hershey fue candidata al Globo de Oro como mejor actriz de reparto.

A partir de la década de los noventa la carrera de Barbara Hershey se desarrolló prácticamente en la televisión. En 1990 ganó el Globo de Oro y el Emmy por el telefilm “Implicación criminal” y fue candidata al premio de la Academia de Televisión por “Paris Trout”. Ocasionalmente ha trabajado en el cine, en 1997 recibió una candidatura al Oscar a la mejor actriz de reparto por “Retrato de una dama” de Jane Campion. Otros de sus trabajos destacables en la gran pantalla han sido “Lantana” de Ray Lawrence y “Cisne negro” de Darren Aronofsky, por la que nuevamente aspiró al Bafta. El éxito de este film estrenado en 2010, que recaudó 329 millones de dólares en todo el mundo, pudo haber recuperado definitivamente a Barbara Hershey pero lamentablemente no fue así.

En televisión sigue teniendo cabida. Interpretó a la malvada reina de corazones en “Érase una vez” y “Érase una vez en el país de las maravillas”. Participa en “Damien”, la secuela de “La profecía” que se emitirá en A&E en los próximos meses. A nivel personal, Hershey fue una envidiada cougar cuando inició una relación en el año 1998 con el actor Naveen Andrews. Con él ha estado desde entonces. Aunque se han separado en varias ocasiones, y en uno de sus descansos a él le dio tiempo de hacerle un bombo a la actriz francesa Elena Eustache.

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Mary Carmen Rodríguez

Querido Teo:

No sé si recordarás que le dediqué un Hollywood canalla a George Nader y cómo fue sacado del armario a patadas por el agente Henry Willson para proteger del escándalo a Rock Hudson. Nader no fue la única víctima de la maniobra de Willson ya que también filtró los problemas legales de otras de las estrellas que tenía en su plantilla, como Tab Hunter. Pero a diferencia de George Nader la carrera y la popularidad de Hunter no se resintieron.

Tab Hunter, nacido con el nombre de Arthur Andrew Kelm (Nueva York, 1931), era uno de esos “beefcakes” (pastelitos de carne) que se implantaron en la cultura popular una vez finalizada la Segunda Guerra Mundial. Eran guapos, poseían un físico espectacular, y se les perdonaba que no tuviesen talento. Lucían muy bien en las revistas y cada vez que aparecían en la gran pantalla, en el glorioso technicolor, revolucionaban a los adolescentes de ambos sexos. En el año 1950 entró en la agencia de Henry Willson, que era conocido en la comunidad de Tinseltown por su fábrica de “pastelitos de carne”, a muchos de ellos les descubría en bares gays y en sus casting no buscaba precisamente el talento para la interpretación, Rock Hudson, la joya de la corona, fue una de las pocas excepciones. Debutó en el cine con “El forajido” de Joseph Losey y en 1952 alcanzaría la fama con “La isla del deseo” en donde daba vida a un marine que mantenía un romance con una mujer mayor que él. Su carrera prosiguió trabajando a las órdenes de Raoul Walsh en “El zorro de los océanos”, Sidney Lumet en “Esa clase de mujer”, o de Stanley Donen en “Malditos yanquis”. También se especializó en las películas que tenían al mundo del surf como telón de fondo. Cualquier excusa era buena para que Hunter, que antes de actor fue guardacostas, luciese su anatomía.

Su trayectoria estuvo marcada también por el escándalo. El primero estalló en Septiembre de 1955. La revista Confidential publicó que cinco años antes, cuando aún no era conocido en la industria, había sido detenido por conducta desordenada, su delito fue acudir a una “fiesta de pijama” organizada en un local de ambiente. El responsable de que todo aquello saliese a la luz fue Henry Willson. La revista se había puesto en contacto con el agente para hacerle saber que poseía material bastante comprometido de Rock Hudson en compañía de un apetecible toy boy. Willson no quiso arruinar la carrera de su gallina de los huevos de oro y decidió sacrificar a George Nader, sacándole del armario, y publicando la ficha policial de otros de sus apadrinados, Rory Calhoun y Tab Hunter. A Nader no se le perdonó que fuese homosexual pero a Calhoun y a Hunter (que estaban escondidos en el armario) sí le perdonaron sus problemas con la justicia. El contrato que tenía Hunter con la Warner Bros. no se vio alterado a pesar del escándalo, y su popularidad se mantuvo intacta. Seguía recibiendo miles de cartas de admiradores y sus incursiones en el mundo de la música fueron muy celebradas, Young love llegó a ser número 1 en ventas. En 1960 Hunter volvió a tener problemas con la justicia. Fue arrestado después de ser denunciado por maltratar a su perro. El denunciante fue su vecino y durante el juicio se descubrió que todo se debió a una venganza ya que el hombre había sido rechazado por el actor.

Se quedó fuera de “West Side Story” y en la década de los sesenta llegó a tener su propio show en la NBC, que en los Estados Unidos no funcionó bien, sólo se mantuvo una temporada, pero que tuvo una excelente recepción en el Reino Unido. A partir de ese momento la carrera de Hunter se desarrolló principalmente en Europa, participó en una serie de spaghetti westerns, y poco a poco fue pasando a un segundo plano. Participó en algunas series de la época como “Vacaciones en el mar”, “Hawai 5-0” y su carrera cinematográfica se revitalizó gracias al director John Waters que le fichó para “Polyester”. Trabajó en “Grease 2” y su última película fue “Dark horse”, que también escribió, y que se estrenó en 1992.

Mientras estuvo en la cima de su popularidad Henry Willson se encargó de fabricarle una serie de romances a Tab Hunter, con otras de sus representadas como eran Debbie Reynolds y Natalie Wood. Sí que mantuvo relaciones con Anthony Perkins y el patinador Ronnie Robertson, desde hace tres décadas está unido al productor Allan Glaser. Hunter publicó sus memorias en el año 2005 que dio pie a un documental producido por su pareja.

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Mary Carmen Rodríguez

Querido primo Teo:

El rostro felino de Lori Singer fue uno de los más habituales del cine y la televisión de los 80 gracias a su participación en la serie “Fama” y en la película “Footloose”. Pero desapareció de la escena interpretativa poco después de ponerse a las órdenes de Robert Altman en la magistral “Vidas cruzadas”.

Nació en Texas hace 57 años en el seno de una familia dedicada a la música. Lori iba encaminada a seguir los pasos de sus padres, de hecho a la edad de 13 años ya era solista en recitales de violonchelo pero optó por tomar el ejemplo de su hermano Marc (Donovan en la serie “V”) y se adentró en la interpretación. Se metió a estudiar Arte Dramático y, al mismo tiempo, firmó con la prestigiosa agencia de modelos Elite. Su primera gran oportunidad le llegó con el papel de Julie Miller en la serie “Fama” en donde demostró sus aptitudes musicales. Su incipiente fama le hizo entrar en el reparto de “Footloose”, que se convirtió en toda una sorpresa en el año 1984 y recaudó más de 80 millones en la taquilla, diez veces más de lo que costó el film dirigido por Herbet Ross. A partir de ahí llegarían “El juego del halcón”, “El hombre del zapato rojo” y “Warlock”. Aunque quedase a la sombra de Michelle Pfeiffer, que era muchísimo más que una presencia, a Lori Singer no le faltaban ofertas laborales.

Nunca abandonó su faceta como violonchelista y lo demostró en “Vidas cruzadas”. Pero uno de sus proyectos más especiales fue “Bach cello suite #4: Sarabande” de Atom Egoyan en donde tuvo la oportunidad de colaborar con su admirado Yo-Yo Ma considerado uno de los mejores chelistas del mundo. La labor interpretativa de Singer fue pasando paulatinamente a un segundo plano y, en los últimos años, lo más relevante que ha hecho ha sido intervenir en un episodio de la serie “Ley y orden: Unidad de víctimas especiales”. Sí que es más frecuente verle sobre los escenarios como concertista.

Singer ha estado más presente en los medios por su vida personal. En 1980 se casó con el abogado Richard Emery, una figura muy destacada gracias a su actividad en defensa de los derechos civiles. La pareja tuvo un hijo y se separaron en 1996. Lo que parecía ser una ruptura civilizada acabaría siendo un calvario, él le acusó de haber secuestrado a su hijo y ella le exigió 20 millones de dólares por haber malversado el dinero que ganó en su carrera como actriz. Tras un largo proceso que duró varios años se acabó llegando a un acuerdo.

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Mary Carmen Rodríguez

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Hace unos días se anunció uno de esos proyectos que llevan acuñados la expresión “¿por qué?”. Se trata de “The last race”, la continuación de la oscarizada “Carros de fuego” que será dirigida por el chino Stephen Shin. El film se centrará en los últimos años del atleta Eric Liddell, interpretado en su día por Ian Charleson, que en esta ocasión tendrá el rostro de Joseph Fiennes, ese actor que siempre ha estado a punto de protagonizar un artículo de esta sección. “Carros de fuego” lanzó a la fama a sus dos protagonistas, el mencionado Charleson y Ben Cross, pero las carreras cinematográficas de ambos no tuvieron ni la continuidad ni la relevancia esperadas.

El principal impulsor de “Carros de fuego” fue el productor David Puttnam que se quedó fascinado por la historia de los atletas Eric Liddell y Harold Abrahams, dos hombres marcados por sus creencias religiosas que participaron en los Juegos Olímpicos de París de 1924. El guión lo escribió Colin Welland y de la dirección se encargaría Hugh Hudson, que debutaba en el cine después de trabajar en el mundo de la publicidad. Para el reparto se reclutó a John Gielguld, Lindsay Anderson, Ian Holm y Brad Davis pero faltaban los actores que encarnasen a los dos protagonistas. Hicieron un exhaustivo casting y se fijaron en el actor Ian Charleson (Escocia, 1949) mientras estaba representando la obra “Piaf”, y que ya estaba empezando a adquirir cierta notoriedad por algunos de sus trabajos sobre los escenarios, también había trabajado en el cine a las órdenes de Derek Jarman en “Jubilee”. Puttnam vio que era perfecto para interpretar al misionero escocés Eric Liddell. Por otro lado el papel del británico de origen judío Harold Abrahams fue a las manos de Ben Cross (Londres, 1947), que también fue descubierto sobre los escenarios en el musical “Chicago” en donde interpretaba al abogado Billy Flynn.

“Carros de fuego” se estrenó con éxito en Reino Unido en Abril de 1981 y posteriormente se presentó en el Festival de Cannes en donde se alzó con el premio al mejor actor de reparto para Ian Holm y el galardón del jurado ecuménico. También sería reconocida por el público del Festival de Toronto. En los Estados Unidos se estrenaría en Septiembre de ese mismo año. Tuvo muy buenas críticas y funcionó bastante bien en la taquilla. Cosechó algunos premios de la crítica, como el de la National Board of Review, y logró el Globo de Oro a la mejor película extranjera. Llegó a la ceremonia de los Oscar con 7 candidaturas, película, dirección, actor de reparto (Ian Holm), guión original, montaje, música y vestuario. Y se convirtió en la gran sorpresa de esa edición al imponerse a “Rojos” de Warren Beatty, que partía con el mayor número de candidaturas. Además del Oscar a la mejor película materializó los de guión original, vestuario para la italiana Milena Canonero y mejor banda sonora para Vangelis que compuso una música que no tardó en convertirse en icónica. El compositor griego también lograría el Grammy.

Tras “Carros de fuego” Ian Charleson participó en “Gandhi”, en donde interpretaba al sacerdote anglicano Charlie Andrews. El film se convirtió en el gran vencedor en la edición de los Oscar de 1983 llevándose incluso el Oscar a la mejor película. Décadas después ni “Carros de fuego” ni “Gandhi” figuran en la lista de los Oscar más acertados de la historia. El éxito de ambos trabajos no supuso una continuidad de la carrera en Hollywood de Charleson, ni le llegaron grandes guiones ni él tuvo la intención de buscarse la vida en la meca del cine. Decidió quedarse en Inglaterra y trabajar en el teatro que era lo que realmente le apasionaba, siendo considerado uno de los mejores intérpretes de su generación. El cine pasó a un segundo plano aunque participó en algunas películas como “Greystoke, la leyenda de Tarzán” o en “Opera” de Dario Argento. En el año 1986 le diagnosticaron el VIH. A pesar de la enfermedad siguió trabajando y cosechó excelentes críticas cuando a finales de 1989 interpretó a Hamlet después de la espantada que dio Daniel Day-Lewis en plena representación durante la noche de su estreno en el Teatro Olivier. Charleson ya estaba gravemente enfermo y, ocho semanas después de bajarse de los escenarios, perdió la batalla el 6 de Enero de 1990, tenía solamente 40 años. Él era homosexual y pidió que después de su muerte se anunciase que había fallecido por culpa del SIDA, fue la primera víctima reconocida del mundo del espectáculo del Reino Unido. Con esto pretendía concienciar sobre la enfermedad, promover la lucha contra ella y ayudar a que los enfermos no fuesen excluidos socialmente.

Si a Ian Charleson no le motivaba mucho Hollywood a Ben Cross le sucedía lo contrario. Él soñaba con tener una gran carrera en la meca del cine, ser algo así como Jeremy Irons que durante la década de los ochenta representaba al actor británico con clase que quería Hollywood, pero aunque no ha dejado de trabajar no se ha acercado a lo que él quería. Su cara era una de las habituales de esas películas que llegan directamente a las estanterías del videoclub. Al margen de eso se puso a las órdenes de Gracia Querejeta en “El último viaje de Robert Rylands”. A nivel cinematográfico lo más relevante que ha hecho en los últimos años ha sido interpretar a Sarek, el padre de Spock, en “Star Trek” de J.J. Abrams. Sí que ha trabajado mucho en la televisión, más recientemente en la serie “Banshee”, y ha seguido vinculado al mundo del teatro. Y debido a su experiencia en el teatro musical ha intentado hacer carrera como cantante y ha publicado varios discos.

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Mary Carmen Rodríguez

Querido primo Teo:

Cuando el hijo de una gran estrella pretende seguir los pasos de su progenitor es inevitable que surjan las comparaciones. La hija de Natalie Wood, Natasha Gregson-Wagner, intentó hacerse un hueco en el mundo de la industria del cine en la década de los noventa, de repente estaba en todas partes, pero carecía del talento y el encanto de su conocida madre y no llegó a prosperar.

Natasha, nacida hace 44 años, fue el fruto de la relación entre Natalie Wood y el que fuese su segundo marido, el productor británico Richard Gregson. El matrimonio se rompió cuando la pequeña tenía tan solo diez meses. Natalie Wood había retomado su relación con su primer esposo, el actor Robert Wagner, con quien volvió a casarse y tuvo a su segunda hija, Courtney, nacida en 1974. El 29 de noviembre de 1981, Natalie Wood falleció ahogada en la californiana isla de Santa Catalina, tres décadas después las causas de su muerte aún no se han aclarado. Natasha tenía solamente 11 años cuando ocurrió este suceso tan trágico. Ella se quedó al cuidado de su padrastro, Robert Wagner, que rehizo su vida junto a la actriz Jill St. John.

Habiendo crecido en el seno de una familia dedicada al mundo de la interpretación no era de extrañar que Natasha lo intentase. En 1992 abandonó sus estudios y comenzó a trabajar como actriz haciendo pequeños papeles en películas como “Marea alta” o “Buffy cazavampiros” y poco a poco su carrera fue adquiriendo cierta notoriedad, o mejor dicho comenzó a promoverse que la hija de Natalie Wood quería triunfar en el mundo del cine. Intervino en “Carretera perdida” de David Lynch, y fue una de las protagonistas de “Two girls and a guy” de James Toback, “Dogtown” de George Hickenlooper y “Al final del Edén” de Larry Clark. También intervino en “Alta fidelidad” de Stephen Frears.

En un plazo de cuatro años Natasha no dejó de trabajar, principalmente en producciones independientes, pero no llegó a dar el salto a una división mayor. No era mala actriz, pero era evidente que no había heredado el talento de su madre, y tampoco su magnetismo. Poco a poco su carrera comenzó a desarrollarse prácticamente de manera exclusiva en la televisión. Intervino en episodios de “Ally McBeal”, “Chicago Hope”, “”Urgencias”, “Medium”, “House”. “CSI” o “The closer”. Y fue una de las protagonistas de la serie “Los 4400”. En el plano personal, tras un matrimonio de cinco años con uno de los productores de “Alta fidelidad”, D.V. DeVincentis, se emparejó con el actor Barry Watson con quien tiene una hija.

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Mary Carmen Rodríguez

Querido primo Teo:

El pasado 27 de Julio se cumplió el 25º aniversario del estreno de “Este chico es un demonio”, esa comedia en la que John Ritter adopta a un chaval que es un auténtico psicópata. Es la excusa perfecta para hablar de Michael Oliver que fue quien interpretó al pequeño Junior en el film y su secuela.

Nacido en California hace 33 años, a una edad muy temprana su madre, que ya había intentado hacer carrera en el mundo del espectáculo con sus otros dos hijos, comenzó a presentarle a todo tipo de castings porque su niño pelirrojo era muy gracioso. Con dos años el pequeño Michael ya aparecía en catálogos y no tardó en protagonizar spots televisivos. Fue precisamente uno de esos anuncios el que llamaría la atención del director de casting de “Este chico es un demonio”, que le reclutó para hacer una prueba para interpretar a Junior, en un par de días el papel en la comedia ya era suyo.

La película fue dirigida por Dennis Dugan, contaba con la producción de Ron Howard y Brian Grazer, y además de Michael Oliver y John Ritter, figuraban en su reparto Michael Richards, Jack Warden y Amy Yasbeck. Los guionistas, Scott Alexander y Larry Kazarewski, se inspiraron en un artículo de L.A. Times en donde se narraba la historia de una pareja que había decidido demandar a la agencia de adopción por no haberles informado que su hijo ya había sido devuelto por varias familias por sus graves problemas mentales y su tendencia a la violencia. El film había sido concebido como una sátira y, cuando su rodaje ya había finalizado, el Estudio, Universal, ordenó suavizar su contenido porque quería que fuese ante todo una comedia familiar, por lo que se tuvieron que reescribir y volver a rodar numerosas escenas. Cuando se estrenó la película se convirtió en una sorpresa en la taquilla, hizo 72 millones de dólares en todo el mundo, una cifra nada mala para una cinta que costó 10 millones, y también tuvo un excelente rendimiento cuando se editó en vídeo. Eso sí, el Estudio no se libró de las críticas por hacer de una comedia destinada al público infantil un espectáculo que para más de un espectador resultó desagradable.

Ante semejante éxito era evidente que Universal no quería dejar escapar la oportunidad de rodar una secuela. “Este chico es un demonio 2” no tardó ni un año en llegar a los cines, el Estudio se dio prisa antes de que Michael Oliver creciese lo suficiente, y en esta ocasión al pequeño Junior le buscaban una amiguita tan peligrosa como él, interpretada por Yvyann Schwan. Días antes del rodaje la madre de Michael Oliver amenazó a la compañía con retirar a su hijo de la producción si no se le subía su sueldo, inicialmente previsto en 80.000 dólares, a un medio millón de dólares. El Estudio también lo pasó francamente mal porque por su lenguaje el film recibió la calificación R, tras la correspondiente apelación y una serie de modificaciones logró que se rebajase la calificación. “Este chico es un demonio 2” no funcionó tan bien como su predecesora, hizo la mitad, pero seguía siendo una película barata y Universal quiso seguir explotándola en el futuro pero lo hizo en la pequeña pantalla. Una vez estrenada la película el Estudio decidió querellarse contra la madre de Michael Oliver, Dianne Ponce, por extorsión, por haberles obligado a firmar un nuevo contrato con un incremento salarial. En el año 1993 Ponce fue condenada a devolver la diferencia, ya que ese contrato no era válido porque se suscribió bajo una coacción.

Tras el estreno de “Este chico es un demonio 2″, y sobre todo después de que su madre fuese llevada a los tribunales por Universal, la carrera de Michael Oliver se paralizó, un par de trabajos hizo para el cine y la televisión que pasaron muy desapercibidos y en el año 1995 decidió abandonar para centrarse en sus estudios. Ahora está metido en el mundo de la música, trabaja en el equipo de un par de grupos de rock. En alguna ocasión ha hablado de su experiencia en Hollywood, aunque se haya apartado de los focos y esté muy feliz llevando una vida apacible junto a su novia y sus mascotas se ha mostrado muy agradecido por todo lo que le aportó y siempre ha tenido palabras de cariño hacia los que trabajaron con él en el film que le hizo popular, especialmente para John Ritter que falleció repentinamente en el año 2003.

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Mary Carmen Rodríguez

Querido primo Teo:

A inicios de la década pasada un pivón canadiense llamado Estella Warren se convirtió en la fantasía de un buen número de espectadores gracias a su participación en el remake de “El planeta de los simios” que dirigió Tim Burton. La anatomía de la Warren ya era conocida gracias a su trabajo en el mundo de la moda y su poderoso físico pudo haberle convertido en una estrella, pero no fue así.

Una adolescente Estella Warren (Ontario, 1978) triunfó en la natación sincronizada, llegando a ser campeona nacional y medalla de bronce en el mundial juvenil. También formó parte de la selección canadiense en los Juegos Olímpicos de Atlanta 1996, pero se quedó sin la medalla de plata ya que no participó en la final. Dos años antes su rostro ya había llamado la atención de George Gailler, dueño de una agencia de modelos. Fue retratada por los mejores fotógrafos de moda, como Ellen Von Unwerth, y apareció en las publicaciones más prestigiosas del sector. Meses después de los Juegos Olímpicos saltaría el escándalo al protagonizar la campaña del perfume Eden, de la firma Cacharel, en donde mostraba un pecho desnudo. En ese momento su carrera deportiva terminó pero su cotización en el mundo de la moda se disparó, hasta el punto de firmar un contrato millonario con la casa Chanel para publicitar su perfume más conocido, nº 5, el spot en donde la Warren emulaba a Caperucita roja estaba dirigido por Luc Besson. Su rostro estaba en todas partes y protagonizó la portada de la importante revista Sports Illustrated.

Con ese físico que Hollywood llamase a su puerta era cuestión de tiempo. En el 2001 debutó con dos películas “Driven” de Renny Harlin y la ya mencionada “El planeta de los simios” de Tim Burton. La crítica masacró sus dos interpretaciones, decía que su belleza era inversamente proporcional a su talento. Por ambos trabajos acabaría llevándose el Razzie a la peor actriz de reparto. Su carrera prosiguió con títulos como “Canguro Jack”, “The cooler” y “Perseguido” y participó en series como “Aquellos maravillosos 70”, “Entre fantasmas” o en “Ley y orden” y “Ley y orden: Unidad de víctimas especiales”.

En cuatro años la carrera de Estella Warren estaba prácticamente finalizada y pasó a participar en muchos títulos que iban directos al vídeoclub como por ejemplo una versión de “La bella y la bestia”. Aunque sigue teniendo un cuerpo de infarto su cara ya no es la misma debido a una desafortunada rinoplastia que le ha restado muchísimo encanto. Y también le ha afectado su adicción al alcohol que le ha provocado más de un problema. El más grave sucedió en el 2011 iba conduciendo en estado etílico y golpeó a tres coches que estaban aparcados. Huyó pero fue encontrada por la policía, ella le dio una patada al agente y en comisaría intentó escapar. Fue sentenciada a cinco años de libertad vigilada, a pagar 100.000 dólares de multa y se ordenó su ingreso en un centro de rehabilitación.

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Mary Carmen Rodríguez